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1.13.2014


EL MUSEO THYSSEN CONFIRMA LA EXPOSICIÓN DE VALENTINO 


El Museo Thyssen-Bornemisza ha confirmado este jueves a ABC que acogerá una gran exposición sobre el modisto italiano Valentino Garavani. La retrospectiva será inaugurada el 7 de octubre de 2014 y cerrará sus puertas el 18 de enero de 2015. Tal como adelantó ABC, el Thyssen llevaba un año negociando la realización de esta muestra, que el año pasado rompió records de visitantes en la Galería Somerset House de Londres. Será la primera vez que el palacio de Villahermosa abra sus puertas a una muestra de moda, en la que se podrán ver piezas lucidas por Jackie Kennedy, Grace Kelly, Sophia Loren, Gwyneth Paltrow, Julia Roberts o Anne Hathaway.

Guillermo Solana, director artístico de la pinacoteca, ha explicado a ABC que la exposición que llegará a Madrid no será igual a «Valentino: Maestro de la Costura», la muestra que acogió Somerset House. «Aunque sí contará con Patrick Kinmonth y Antonio Monfreda como comisarios», ha confirmado Solana. Kinmonth y Monfreda han colaborado estrechamente con el diseñador en muchos proyectos, como por ejemplo en la exposición «Valentino a Roma: 45 Years of Style», realizada en el Museo Ara Pacis de Roma, en 2007.

El éxito de «El arte de Cartier», la muestra de joyería francesa que se pudo ver en el Thyssen en 2012, es uno de los motivos que han empujado al museo a interesarse por esta retrospectiva de Valentino. Más de 70.000 personas pasaron por las salas Moneo para deleitarse con la espectacular colección de tiaras, collares y relojes de la «maison» Cartier. Según ha declarado Solana, la baronesa Carmen Thyssen está encantada con la idea de exponer los vestidos de Valentino, no solo por que es amiga del modisto, sino también porque el proyecto está «en sintonía» con la programación de las principales instituciones culturales del mundo.

La gran acogida que han tenido exposiciones similares como «Jean Paul Gaultier. Universo de la moda: De la calle a las estrellas» o «Yves Saint Laurent», ambas en la Fundación Mapfre, confirman la tendencifa de que la moda y el lujo venden entradas en las taquillas de los museos. Gaultier alcanzó los 115.340 visitantes. Y este fenómeno también se ha repetido en otras grandes instituciones del mundo como el Museo Metropolitan de Nueva York (Alexander McQueen), el Museo Pushkin de Móscu (Christian Dior) o el Museo Bourdelle de París (Madame Grés).

Cézanne


Cézanne


El Museo Thyssen-Bornemisza presenta en febrero la primera retrospectiva de Cézanneen España en treinta años, desde la exposición del MEAC de 1984. La muestra incluye 58 pinturas del artista -49 óleos y 9 acuarelas- procedentes de museos y colecciones privadas de todo el mundo (incluyendo Estados Unidos, Australia o Japón), muchas inéditas en nuestro país, que se expondrán junto a 9 obras de otros artistas como Pissarro, Gauguin, Bernard, Derain, Braque, Dufy y Lhote.

El género dominante en la obra de Cézanne es el paisaje, que comprende la mitad de su producción total y que el pintor, como sus compañeros impresionistas, identifica con la práctica de la pintura al aire libre. Pero, a diferencia de los impresionistas, Cézanne otorga también una importancia decisiva a un género propio del taller: la naturaleza muerta. A lo largo de toda su carrera, cultiva paralelamente el paisaje y la naturaleza muerta, que encarnan respectivamente el encuentro directo con la naturaleza y el laboratorio de la composición. El subtítulo de la exposición, site / non-site, tomado del artista y teórico Robert Smithson, alude a esa dialéctica entre exterior e interior, entre la pintura al aire libre y el trabajo en el estudio.  
Estilo propio en el S. XXI
Hoy en dia somos víctimas de lo que nuestros antepasados llevaban o simplemente tenemos un gusto por épocas de antaño que nos recuerdan ahora que puedes destripar el armario de tu madre en busca de lo más antiguo, a veces lo más raro que encuentres para ponértelo por el simple hecho que se lleve lo vintage, o como yo lo digo “ropa que antes se ponía tu madre y que dejo de ponérselo por algún motivo”, quizá su estilo haya evolucionado más que muchos de nosotros, que pretendemos ponernos cosas de otras épocas sin darnos cuenta que podemos caer en lo hortera o incluso pasar por los protagonistas de Regreso al futuro, volviendo al pasado.
El objetivo de la moda es que la gente se sienta bien, por lo que conocer nuestro estilo personal ayuda a definir los matices que te hacen llevar las últimas tendencias sin perder la esencia de tu personalidad consiguiendo así crear un contraste entre
Noticias como elige el look de la semana…o el look de las celebrities a imitar, hacen cuestionarse si las personas realmente tenemos un estilo definido o simplemente nos dejamos llevar por lo que otras personas lejanas a nosotros como pueden ser los famosos, vistiendo la ropa que desearíamos tener son las adecuadas para definir nuestro fondo de armario.
En mi opinión el vestirte con tu propio criterio no siempre implica cometer un acto de vandalismo contra los dictámenes de la moda, ya que cada uno es libre de elegir lo que se adecue a su estilo, siempre y cuando tenga en cuenta lo que le queda bien y no dejarse llevar por lo que se lleva, ya que muchas veces se sigue la regla de “esto me lo compro porque esta temporada se lleva”; cuando sobre esta regla debería de estar “me gusta, es mi estilo y lo compro”. Debemos tener en cuenta esta regla ya que es de gran ayuda a la hora de elegir nuestras prendas.

Puestos a elegir, deberíamos definir nuestro estilo como algo único; y no vestirnos como los catálogos de las tiendas, sino incorporar prendas acorde con nuestra personalidad, que nos hagan sentir insuperables.  
Vilariño, una fotografía con gran carga                                                           sentimental y poética

Quizás una de las exposiciones de fotografía con mayor carga emotiva y melancolía que Madrid, este año recibe, es la de Manuel Vilariño (A Coruña, 1952), Premio nacional 2007, y encargando de sorprender al público con su puesta en escena titulada “Seda de Caballo”.
 El poético aire de ausencia que alude las piezas del artista, nos cautiva y traslada, a un mundo donde la sutileza, el ingenio y el gusto por representar el verso de Gamoneda, es la esencia pura de la vida. Los animales muertos, atrapados en un mundo de agonía y desconsuelo, hasta el paisaje desolador de las playas y acantilados, desprenden una carga de emotividad que resulta inquietante a simple vista.

El despertar 1, 2001


La exposición llevada a cabo en un espacio como la Tabacalera, parece encajar a la perfección con la intencionalidad del que el artista transmite con sus imágenes. Esta retrospectiva, comisariada por Fernando Castro Flórez, se instala desde el 13 de septiembre hasta el 24 de noviembre. No dejando paso a ningún espacio vacío gracias al gran trabajo imaginativo del artista, que se compromete con el espectador dando un toque de singularidad en su puesta en escena.
El espectador empieza su recorrido atravesando esos pasillos sombríos propios de una edificación de fábrica abandonada. A medida que avanza se encuentra con una sucesión de retratos de pájaros a blanco y negro, seguido de animales ahorcados y resto de frutas, que envuelven los temas con una estética propia del artista. En el que, la melancolía y la muerte se encuentran muy presentes. Seguimos el recorrido, y el fotógrafo nos muestra animales oscuros, algunos de los cuales son una sombra fría, como el “Abada”, 2010: una obra sobre aluminio. Se trata de una sombre a de un rinoceronte con un trasfondo inmensamente trágico. “Vivimos entre la cacería y el juego del escondite, deseamos la presa aunque al final lo que aparezca sea tan sólo una sombra. Estamos, inevitablemente, arrojados a la existencia entre el hueco y la sombra”. “El despertar 1”, 2001 o “Paraíso Fragmentado”, 1999-2003, son otras de sus obras más conocidas, también expuestas en este espacio.
Resulta algo trágico, incluso impactante, pensar en el sacrificio de un ser vivo o el paso del tiempo y la muerte. Para Manuel Vilariño es algo natural. Él, encuentra en la naturaleza muerta esa sutil belleza. La belleza que surge casi accidentalmente, en un mundo, que ha perdido su interés por algo que es propiamente invisible. Vilariño habla de una “nostalgia de la belleza”, que le obliga a mantenerse en convivencia con la muerte, en una rara dimensión de felicidad infinita. Fotografías como: “Al despertar”, 2011 o “Anochecer en el confín”, 1999. Son unos ejemplos claros de lo que pretende transmitir el artista. Esa inmensa pero a la vez invisible naturaleza muerta, que está presente en cada día de nuestras vidas pero que nosotros ignoramos. Ese espacio vacío, caracterizado por una gran intensidad poética.
El color es una de las características más importantes. Esa intensidad de luz y colores vivos para representar la muerte, nos sorprende en cada una de las fotografías. Intensifica la textura de los alimentos, el naranja deslúmbrate de la llama o el rojo que contrasta con el esqueleto de un animal muerto “Cruz de la luz partida”, 1999. El contraste de color, como recurso imprescindible en las figuras representadas de Vilariño.
La exposición exhibe también, dos instalaciones. Al principio de todo, una montaña de tamaño medio, hecha al parecer por pigmentos anaranjados y visibles desde la semioscuridad, con una luz que proviene desde el lado superior del edificio. La otra, se encuentra a mitad de la exposición y, consiste en una esfera de pelo de caballo, de colores tales como: negro, blanco y marrón. También se puede apreciar, con una luz casi tenue y poco precisa. Es en ese instante donde sí levantas la mirada, encontramos también las diapositivas los poemas de Gamoneda, hermosa y triste a la vez. Todo esto evoca a la tranquilidad por el sonido de una ballena que acompaña esta exposición.
Pero en cuanto a “Seda del caballo”, es algo paradójico y habrá que encontrar un significado oculto. Unas veces extrañ,o pero dulce e inocente a la vez. Así nos impulsa a más de uno a descubrir lo que intenta mostrar a su público este artista. Para ver lo que sucede y saber la necesidad que llevó a Vilariño a realizar esta obra digna de un artista de tal categoría.


FICHA TÉCNICA Qué: Manuel Vilariño “Seda de Caballo”
Dónde: Tabacalera, Espacio Promoción del Arte C/ Embajadores, 51. Madrid
Hasta cuándo: desde 13 de septiembre a 24 de noviembre
Horario: Martes a Viernes: 12.00h a 20.00h / Sábados y Domingos: 11.00h a 20.00h/ Lunes cerrado Precio: Entrada Gratuita

1.12.2014

Semíramis González




  • Nombre: Semíramis González
  • Título /cargo: Comisaria de arte y blogger
  • Centro de trabajo: Freelance
  • Experiencia: Se puede presentar a Semíramis Gonzáles, como  una gran conocedora de arte, glogger, colaboradora en diferente medios como freelance, en definitiva una mujer multifacética. Acaba sus estudios en la Universidad de Oviedo, y sus estudios de Máster en Historia de Arte Contemporáneo y Cultura Visual en el Museo Reina Sofía. Además fue Coordinadora de LABlog, blog de LABoral Centro de Arte, comisaria de "La New Fair" en La New Gallery. Actualmente colabora en CASA//ARTE

  • Estudios realizados / formación: Licenciada en Historia del Arte y Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual (Universidad Complutense y Museo Reina Sofía)


Arias Vera: “Nada es difícil en la pintura. Pintar es imaginar”

Arias Vera: “Nada es difícil en la pintura. Pintar es imaginar”
A Luis Arias Vera (San Pedro de Lloc, Perú- 1959) es mejor preguntarle por dónde no ha expuesto. Se acaba mucho antes. Con obras repartidas por casi todo el mundo, en cuatro continentes, por si fuera poco. Viajero incansable y artista multidisciplinar. En su juventud viaja a la Argentina y realiza sus estudios de pintura en la escuela de bellas artes de Ernesto de Cárcova en Buenos Aires. Luego parte a Río de Janeiro, para regresar a Lima en 1965. Desde entonces no ha parado de difundir la riqueza de la pintura peruana. Sus diferentes culturas, en principal la Mochica, como origen de inspiración de este artista.
Predomina en toda su carrera artística,  aspectos precolombinos simbólicos, refleja la importancia del color y las líneas que invaden el plano de la imagen en un movimiento sincronizado y de gran sentido metafórico.
Nuestro encuentro está programado en la cafetería Van Gogh, en el que momentos después nos desvelará el porqué del lugar. Allí ha pasado muchas tardes desde que vive en Madrid, y nos muestra las espectaculares obras de Van Gogh colgadas en las paredes. Nos envuelve un cándido ambiente parisino, con una mezcla de Madrid al atardecer.


S.B: ¿Cuándo nace tu interés por la pintura y posteriormente por la escultura?
L.A.V: En mi pueblo de pequeño. Tenía un profesor de pintura en el colegio que era una maravilla que me enseñó sobre pintura. Por la escultura, cuando viajé a Buenos Aires en la escuela superior de Bellas Artes, Ernesto de la Cárcova, que nos enseñaron un poco de todo.

S.B: ¿Cuál ha sido la exposición con mayor repercusión mediática en la que has participado?
L.A.V: Creo que la mayor satisfacción que he tenido, de las exposiciones colectivas, han sido las tres que realicé en Osaka y Tenri (Japón). En particular Osaka porque participé en un evento muy importante que se llama Trienal Internacional  de Arte, en la que gané dos premios. Sobre todo fue, la comunicación y el conjunto de obras que era maravilloso.

S. B: ¿Quién es tu mayor referencia en el mundo artístico y con quién te sientes identificado?
L.A.V: Van Gogh y Gauguin. Posteriormente, Picasso. Como habrás visto en mis obras hay cierta influencia de Picasso, pero mi inquietud por la pintura lo generó principalmente Van Gogh y Gauguin.

S. B: ¿Qué caracteriza de especial a tus obras?
L.A.V: Se puede descubrir el afán de la simbología que pongo en mi obra, que tiende a poner en evidencia hasta que punto eran importantes los símbolos precolombinos.

S. B: ¿Cómo puedes definir la técnica que utilizas al momento de elaborar una de tus obras?
L.A.V: Ahora pinto con acrílicos. Pero mi técnica en general es mixta. Porque hago escultura, y en la escultura también pinto. Tengo una escultura en la Plaza de Alcorcón, y como podrás ver está pintada.
¿Qué rasgos de tu personalidad vemos reflejadas en tus pinturas?
L.A.V: Descúbrelo tú (risas)… en realidad yo he pasado por muchísimo estudios y a lo largo de eso, me he dado cuenta que sí hay rasgos que me diferencian, que son muy propias de mi cultura Mochica.

S. B: Además de su trayectoria individual ¿Formas parte de algún grupo de artistas?
L.A.V: En este momento sí, con gran alegría. Siempre he formado parte de alguno. Aunque en ocasiones esporádicas en el exterior he participado de forma individual. En Argentina formé un grupo, cuando era estudiante que se llamó “El Integralista”. Cuando llegué a Perú, me encontré con gente joven y nos sentíamos a gusto trabajando juntos y, formamos un grupo que se llamó “Señal” éramos tres, hasta que se incorporaron algunos miembros más y posteriormente se llamó “Arte Nuevo”. Y si vamos a la historia, esos dos grupos fueron la base para introducir los últimos signos de vanguardia en los años 70 y 80 en la pintura peruana. Entonces se podría decir que nosotros constituimos la vanguardia en la pintura peruana. Desde entonces he participado con centros culturales, hasta ahora,  que me han llamado para colaborar con la exposición “Pintores en el Mundo”.

S. B: Y hablando de Vanguardia ¿Qué opinas del Arte Moderno?
En la época de mi juventud, cuando formábamos parte de este grupo “Señal”, podíamos observar en las exposiciones que realizábamos la reacción de las personas que eran aún conservadores. Pero no olvidemos que los artistas tienen que promover el arte, las nuevas formas de hacer arte. En este mundo globalizado muchas veces sin querer los artistas generan conciencia. Entonces vas a encontrar, como en toda época, aquellas obras que generan interés y otras no. Probablemente de las mil obras que se pinten ahora, cien pasarán a la historia. Entonces cuando lanzas un concepto nuevo, es todo un acontecimiento, no olvidemos que el arte es el reflejo de toda sociedad. Deberíamos intentar comprender a estos artistas.

S. B: ¿Qué es lo más difícil a la hora de pintar o realizar una escultura?
L.A.V: Nada es difícil. Es como cocinar. Me encanta cocinar. Cuando cocinas inventas, al igual que cuando pintas. En la pintura, imaginas,  inventas.
S. B: ¿Qué pretendes que el espectador sienta al ver tus obras?
L.A.V: Siempre aspiro a que tenga una reacción, negativa o positiva. Si alguien pasara por mi obra sin tener una opinión de mi proyecto, no me sentiría muy bien. Entonces, siempre quiero inquietarlos, a que reaccionen. Porque el arte es eso. El arte tiene que llamar la atención de todo espectador.

S. B: En el 2009, se le hizo un homenaje por sus 50 años de trayectoria en el mundo del arte, en la exposición de la Fundación Alianza Hispánica de Madrid ¿Cómo siente usted el apoyo de España al arte Latinoamericano y, en lo personal, a su trabajo?
La comunidad peruana está estupendamente bien orientada a organizaciones con fines culturales. En lo personal, estoy muy agradecido con España, porque desde el principio me apoyó mucho. Llegué a España invitado por la embajada, porque una empresa  española le gustó mi trabajo y entró en contacto conmigo, ahora ya no existe, pero entonces me ayudó a difundir mi trabajo por todas partes. Hay un crítico de arte que aprecia mucho mi obra, Tomás Paredes, presidente de la Asociación de Críticos de Arte en Madrid. Pero conozco a mucho artistas peruanos que todavía no tienen ese contacto, que los impulse.

S. B: ¿Qué nos puedes contar acerca de tus últimos trabajos?
L.A.V: Bueno, en lo último que estoy trabajando, me estoy renovando. Porque hasta ahora, iba encaminado a poner en evidencia, en vigencia,  simbologías de la riqueza estética que pretendían nuestros antepasados. Los mochicas eran maravillosos dibujantes, los murales que hay en todas esas formas lo demuestran. Además de tener una significación extraordinaria.
Pero poco a poco me ha ido gustado la poesía, y en particular un poeta que admiro mucho desde que era muy pequeño, y es César Vallejo. Entonces, todo lo que estoy haciendo ahora va relacionado a la obra de Vallejo. La última exposición que hice en Madrid, se llamo “Los dados eternos”, como el poema de Vallejo. La galería era muy pequeña, por lo que el espacio no me permitió hacer todo lo que yo pensaba. Ahora tengo pensado hacer una exposición en Berlín, otra en Lima, San francisco y Barcelona  exclusivamente sobre los poemas de Vallejo.

S. B: Por último ¿Qué le falta a Luis Arias Vera por cumplir?
L.A.V: Muchísimo (risas). Hay un sueño que me gustaría cumplir, y es hacer la reproducción de los poemas de Vallejo, en Lima- Perú, en el centro de exposición de San Marcos, donde tienen varias salas. Me encantaría llenarlas de obras inmensas, porque me encanta pintar en grande.


Datos de Interés:
Blogs de artista: Luis Arias Vera
Expone en: Centro Sociocultural Santa Petronila  C/ María Martínez Oviol, 12 (Villaverde Bajo – Madrid)



Por:  Sheyla Bustamante Arzapalo